great beyond | hideaki hashimoto

クリティークとアーティスト | 東京国立近代美術館「ジャクソン・ポロック展」

東京国立近代美術館で「生誕100年 ジャクソン・ポロック展」に行く。会期最終日。ゴールデンウィーク最終日ということもあり、チケット売り場には列が。

世にもてはやされるアーティストの周りには、ギャラリストやクリティークがいるものだけれど、Jackson PollockにおけるClement Greenbergもまたそういう存在だった。僕が気になってしまったのは、その点だった。当時Pollockのペインティング、そして技法として取り入れられた"Pouring"は、美的に邪道だと評する人たちがいた。そんな中でGreenbergはこんなことを言ったらしい。

“In Pollock there is absolutely none [self deception], and he is not afraid to look ugly—all profoundly original art looks ugly at first”

本当にオリジナルなものは最初は醜いものであると。Picasoの画集を見て、「すべて先にやられちまった」と、その画集を壁に投げつけていたらしい。ずっとPicasoが目の上のタンコブだったPollockは、ついに自分で作ったルール、つまり"Pouring"で戦うことができた。ただ、やっぱり「大衆」まで、この概念をどう浸透させるかということ抜きには、Pollockがスゴイとかなんとか語れない。アーティストがクリティークを育てるのか、クリティークがアーティストを育てるのか。どっちがどうなのか、よく分からないけれども、いずれにせよPollockよりGreenbergに注目したい展覧会だった。

何か世に生まれる時は、そこに色んなチカラが働いている。

意味の喪失と表現の揺らぎ | ホンマタカシ ニュー・ドキュメンタリー

東京オペラシティアートギャラリーで『ホンマタカシ ニュー・ドキュメンタリー | Takashi Homma New Documentary』を見る。金沢21世紀美術館から始まった巡回展で、プリントのみならず、写真を元にしたシルクスクリーンや絵画、インスタレーションも。

気になったシリーズを選んでみる。まず「Tokyo and My Daughter」は、ホンマタカシ自身がライフワークとして撮り続けている東京の風景とひとりの少女のシリーズで、ギャラリースペースではそれらが混合して展示されている。タイトルとは違い、ここで出てくる少女は、実際にはホンマタカシの娘ではないらしい。いずれにしても、「東京」と「子供」というモチーフは、 「東京郊外 TOKYO SUBURBIA」や「東京の子供」でも分かるように、ホンマタカシが継続して取り組んでいるテーマだよね。

もうひとつ気になるのは北海道・知床でハンターたちととも雪山に入って鹿狩りの痕跡を追った「Trails」というシリーズ。真っ白い雪や小枝に付着する狩猟の痕跡、点在する動物の血痕。写真だけで見ると、生命の残像が白い雪に力強く浮き出てくるものの、「Trails」という同名の絵画作品があることで、映し出された生命の力強さが、あやふやなものになり、不思議な気持ちにさせられる。

これは僕がそう思っているだけかもしれないけれど、どちらかというとこれまでは均質な都市空間の無味無臭なイメージを写真というお皿に盛り込んで、そこに意味を排除してきた印象があった。けれど、前述の「Trails」やマイクミルズとともにマウンテンライオンの生態を追った「Together」を含め、近作を中心に見ていくと、何かそこに表現を感じさせるようなものになっている気がする。

意味の喪失と表現の揺らぎ。シリーズを通して写真って一体なんなのかに迫るっていうことで、これはなかなか面白い個展だったのかもしれない。そうそう、開館時間が節電のため(当面)18時までになっているようなのでご注意を。

大人を裏切る子どもの表情 | ヴァレリオ・ベッルーティ展 -KIZUNA-

銀座のPOLA MUSEUM ANNEXで「Valerio Berruti | ヴァレリオ・ベッルーティ展 -KIZUNA-」を見る。ヴェネチアビエンナーレにも出品したイタリア人アーティストValerio Berrutiの日本初となる個展。フレスコ画の技法を用いて描く作品が中心で、ここ最近は子供をモチーフにした作品が多いらしい。今回の個展のために、日本の子どもたちを描いた作品を展示したいという考えから、2ヶ月間レジデンスとして都内に滞在(レジデンスといっても民家に滞在したみたいだけど)、杉並の小学校の協力を得て生徒をモデルに作品を制作している。

麻布に薄く石膏下地を塗り、その上に茶色の線で描いた子供の表情は、うつむきがちで、どこか物悲しげ。輪郭をあえてすべて線で引かずに、背景色によってシルエットを浮き立たせる描き方は、シンプル。みどころは、300枚以上のドローイングと坂本龍一氏によるオリジナル曲によって構成されるアニメーション作品「Kizuna」。白い背景に黒い線で描かれた少女、赤い背景色によって輪郭が浮かび上がり、何かを縫っているようにも見える。

僕らの頭の中の子どもの表情って、なぜか笑っている表情を思い浮かべやすい。でも、それこそホンマタカシの「東京の子供」を見ていても同じこと思うんだけれども、笑っていない顔の方が、よっぽどリアルなんだ。どちらかというと、伏し目がちで、不安で。大人が期待する子どもの表情を、子どもが裏切るから、時々ドキっとするんだ。

束芋 断面の世代 | 横浜美術館

横浜美術館にて「横浜美術館開館20周年記念展 束芋 断面の世代」を見る。2006年に原美術館でやっていた個展「ヨロヨロン 束芋」から少ししか経過していない中で、アーティスト活動10年目の個展。

記憶が曖昧だけれども、大学の時に《にっぽんの台所》か何かを見た時(多分第1回横浜トリエンナーレの時かも。赤レンガの中でやってたような...)に、ちょうどプロジェクターを使ったインスターレーションが自分の中で盛り上がっていて、「随分先をこされたな」って思ったんだよね。それ以来、束芋が大好きになってしまって。

今回の個展、これまで、どちらかというと現代社会を懐かしい昭和の余韻に照らして皮肉るような作品が多かった気がする。結局時間が経過しても日本はまったく変わっていないという停滞感に対する苛立ちというかね。ただ原美術館で見た作品以上に、今回の個展では一層内向きな表現になってきている気がした。

イメージの連なりを紙に定着させている新聞小説『惡人』（吉田修一著）の挿絵。前回の個展でもそうだったけど、壁伝いにズラッと掲示されるこのドローイングが、手や内蔵からイメージが拡張・収縮していって、なんとも居心地が悪くなる。きっと、自分の中の、触れられたくない記憶に、息を吹きかけられるような、そんな感覚。

そして「油断髪」「ちぎれちぎれ」「BLOW」などの新作インスタレーションも見所。個人的には「BLOW」がとても好きで。なんとなく、内向きだった作品群が多かった中で、最後にこの作品。花弁が開くという表現に、閉じこもった何かが、次第に外に飛び出すという、割と何か広がりを感じさせる作品になっているような気がした。なんというか、この作品の後に、どんな作品が展開されるのかが楽しみな気がしている。この作品の前に「BLOW」のスタディーかなんかで、アニメーションに昇華することの大変さが伝わってきて、これはこれでとても興味深い。

横浜美術館には何度か来ているけど、実は常設を初めて見た。横浜博覧会の名残として、その存在感は高島町・桜木町では大きいけれども、正直言って、展示の仕方が良くないね。もったいない。この美術館だと、展示できる作品を選ばないといけないかもしれないね。そして、ちょっと狭い気がする。横浜ビエンナーレみたいに、広域横浜を展示会場とする考え方もできると思うけれども、作品を選ぶだろうしね。神奈川県立美術館や横須賀美術館に負けている。

SPACE FOR YOUR FUTURE

寒いだけで雪は降りそうもない。そんな中、深川へ。東京都現代美術館で開催中の「SPACE FOR YOUR FUTURE」を見る。昨年は他に優先させなくてはならないことが沢山あった為に、こういう時間を作るのがなかなか難しかったんだけれども、今年はどんどん行きたいと思いますよ。20代は引き出しを広げるっていうのを言い続けてきたことなので。

で、ポスターにも出ているタナカノリユキの100通りの沢尻エリカのポートレイトも面白いけれども、個人的に面白いと思った作品はデマーカスファンの《レースフェンス》、嶺脇美貴子のジュエリ−、エリザベッタ・ディマッジョの《無題》の3つ。

まずデマーカスファンの《レースフェンス》という作品。工業製品として無機質に存在する金網フェンスの一部が、レース模様になっているんだけれども、これってアートというよりも公共デザインといった方が良いのかもしれない。　　

公共空間における仮囲いを一つの造形として再定義する試みは、Studio Han DesignがJR新宿駅南口で展開していた新宿サザンビートプロジェクトだとか、KDaが表参道ヒルズの工事の際に展開していた壁面緑化プロジェクト“グングンウォール”だとか、最近増えてきている気がするけれども。でも、《レースフェンス》はありそうでなかったアプローチ。レース模様はアメーバのようにも見えるし、街のコンテクストを分断する唐突で威圧的なその存在を、うまく調和させる方法として使えそう。

次に、エリザベッタ・ディマッジョの《無題》という作品。薄紙を使った巨大な切り絵。「水性微生物をモチーフとしている」作品だけれども、どことなく地図にも見える(個人的にはグーグルマップみたいに見えるw)。

最後に嶺脇美貴子が作るジュエリー。100円ライターや、塩ビ製のフィギュア、ガンダムのプラモデル。こうしたものを輪切りにしてネックレスや指輪を作る試み。部分から全体を想起させることができるのってちょっとスゴい。文字通り「切り口を変える」ことによって、そのモノに潜んでいた形を強調する効果があるのか、部分から全体をイメージさせることができるのは、ちょっと面白い。部分だけを見ても、全体をイメージで補うように、人の頭ってうまくできているのかな。バラバラになったガンダムでも、それがガンダムであるってことが分かるからね。

個別に作品を見て行くと面白いんだけれども、それぞれの関連性というか企画全体のコンセプトがいまいち良く分かりにくいように思う。それでもやっぱり、こういう時間って良い。自分がなんでアートが好きかを少し考えてみると、きっと自分が口下手というのもあるんだけれども、話すということ以外に、自分が考えていることをうまく表現する方法を、常に探しているからかもしれない。

blueman group

友人からもらった堂島MUSICAの紅茶を飲んで、小雨の六本木へ。六本木インボイスシアターにて"BLUEMAN GROUP in TOKYO"を見る。最前列ど真ん中のポンチョ席。セリフがない分、難しくも解釈できるし、シンプルに捉えることもできるし。BLUEMANなんて、はっきり言ってインテルの宣伝のイメージくらいしかなく、どんなパフォーマンスをするのか、そもそもなんで青いのか、何も分からずに見に行ったけど、とても面白かったよ。他に例えることができない存在だから、もう見に行くしかないという感じ。ポンチョを着るからには、何かが飛んでくると思ったんだけれども、まさかあんなのが飛んでくるとは(内緒)!日本公演に合わせた演出も、なかなか笑えます。

雪が降るという予報もあるくらいの寒さ。直ぐにTSUTAYAに飛び込んで、福井利佐の作品集「KIRIGA」や大幅改訂した「デザインのデザイン」をプレゼントとして買うか迷いつつ。その後、混雑した六本木をウロウロするのも嫌なので、麻布十番方面へ。相方の体調がすぐれないので、ちょっと食事をして帰宅(南北線・目黒線は便利!)。ここ最近、ようやく落ち着きを取り戻して、充実した日々。さて明日は何しようかな?

　

RAINBOW IN MY HAND

FLIPBOOK(パラパラ漫画)って、その内容ももちろん重要なんだけど、僕はとにかくその「仕組み」が好きなんだよね。その中でも、川村真司による"RAINBOW IN YOUR HAND"は、FLIPBOOKにまったく新しい命を吹き込んだ、非常に面白い作品だよ。同じ大きさの7色の四角形が印刷された36枚の黒い紙の束。ページをめくっても印刷された図形自体はパラパラ漫画みたいには動かないんだけれども(同じ図形だから当たり前だけど)。でもそれを横から見るとビックリ、残像で虹が浮かび上がるのです。これは本当に良い! ちょっと褒めすぎかもしれないけど、今年1番グッと来た作品。よく調べてみたら、これを作った人って佐藤雅彦研で「動け演算」を作ったSFCの同窓生だね(直接面識はないけど)。近くに面白い物を作っている人っているんだなあ。。あまりにも気に入ってしまったので直ぐに買っちゃいました。1つは自分用、1つは相方を驚かせるように。驚く顔を見るのが楽しみ。

みんなのドラえもん

今年は新年早々面白そうな企画展が目白押し。まずは川崎市民ミュージアムで開催予定の「みんなのドラえもん展」。2003年に横浜そごうで開催された「Theドラえもん展」もかなり良かったけれども、今回の企画展は「Theドラえもん展」の作品を再構成しつつ、原画50点や映像資料をもとにドラえもんの世界に完全に特化した展示内容になるっぽい。川崎市は2010年に「藤子Ｆ不二雄ミュージアム」を生田緑地で開館予定で、今回の企画展は開館に先駆けて開催されるもの。とても楽しみ。会期は1月20日（土）から2月25日（日）まで。国立新美術館で開催予定の文化庁メディア芸術祭10周年企画展「日本の表現力」も見ておきたいね。ただ混んでそうだから、少し空いてからかな。

ところで川崎市民ミュージアムって、存在が地味ながらも面白いことをやっていて、なかなか感心する。「都市文化の形成に大きな役割を果たしてきたポスター、写真、漫画、映画、ビデオといった複製技術による芸術作品」を企画展を行う際の主要領域として定めているので、東京都写真美術館と似ているのかもしれない。勿論、予算や施設規模の違いがあるから、それぞれを直接比較することはできないけれども、企画力を考えると同じくらい面白いことをやっていると思う。オススメ。

1/20以降に追記:-)

海へ抜ける道

いつかの土曜日12時。実家は横浜だけれども、裏は鎌倉。坂道を超えて逗子方面へ。トンネルを超えて小坪へ。マリーナに車を停めて生シラスを食べに。きれいなところではないけれども（むしろ汚いが）、だからこそ雰囲気がある店。食べ終わると、歩いて海が見えるところまで。そして高い防波堤を超えると、向こう側に江ノ島が見える。その後、目的の神奈川県立近代美術館(葉山館)へ。「シュバンクマイエル展」を見る。シュバンクマイエルはチェコの映像作家だけれども、今回は映像に限らず造形や絵画も含めて多くの作品を展示。縮尺を誇張して抽象度を高めた作品（mannierismというらしい）や奇怪な標本はグロテスクであり、エロチックである。なんだかシュールレアリストとしての実験報告会という感じがして、正直頭が痛くなったよ。もっとも、ありがたいことに気分を一新させるには最良の場所を、この美術館は用意してくれている。美術館を出ると海が望める場所があり、併設されているレストランも良さそう。美術館の脇には一色海岸へとつながる細い下り道がある。ゆっくり下ると、そこにはsea kayakの片付けをしている人と砂浜でワインを飲んでいる人。なんだか夏に未練を残した人の溜まり場という雰囲気だね。無論僕らも同様に、次の季節へと心を移すために、しばらくの間そこを歩いた。いわばリハビリみたいなものだよ。

神奈川県立近代美術館葉山館の話。この美術館、日本政策投資銀行が全国ではじめて美術館整備でPFIを導入した事例らしい。モア神奈川パートナーズという伊藤忠グループの特別目的会社を作り、日本政策投資銀行と第一勧銀が融資して建設された美術館で、県が独自で事業を行う場合に比べ7〜18％のコストを削減することができるみたい。30年間はこのSPCが維持管理をして、資金回収後に県に移転するBOT方式(BUILD, OPERATE, TRANSFER)。場所を考えるとレストランと駐車場だけで資金回収できそうな気もしてくるのだが、本来のミッションである公共施設として、どれだけ県民を巻き込めるかという企画(ワークショップなど)がまだ弱いように感じる。公共施設って往々にして怠慢で、企画の善し悪しをキュレーターの独善的な意思でのみ評価しようとしたりすることがあるような気がするけれども、結局ビジネスとしてやっていかないと継続的に経営できないわけで。来場者が少なければ、結局その企画が良いとは言えない。本当に企画が良いとして、来場者が少ないとすれば、それはその企画の良さを伝える方法に問題があるわけで、そういう意味でキュレーターは役割を果たしていないと言える。いずれにせよ、この辺をPFIを導入した初めての事例として、うまくビジネスと結びつけながら企画する手法を構築していってほしいね。もちろん優れた企画をしてくれたキュレーターには、その分のインセンティブも積んであげることも重要。

art+management+etc

アート･マネジメント･エキスパート･セミナー

慶應のアートマネジメントプログラム。慶應義塾大学アートセンターと慶應ビジネススクールのジョイントプログラム。これKBSのケースを使ってることもあって、ちゃんとしてそうだ。もともとアートマネジメントなんていう学問自体存在していないので、ちゃんとも何もないのかもしれないけど。大体夏にアプライして、下期に開講という感じ。その他関連図書を一通り読んでおくとしよう。

「アート・マネジメントの会計―理論と実務」
「ミュージアムが都市を再生する」
「進化するアートマネージメント」
mori art museum public program
museum of modern art intership program